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Animated Disney Movies: From Worst to Best

More than 80 years after his first feature film, Walt Disney stands firm as the great reference of animated cinema in the world.

Almost a century away from its foundation, Walt disney It is usually considered the largest reference for animated films in the world. His history began in the field of short film and it did not take long for the lessons learned to be transferred to the feature film creating unforgettable films, in which he even experimented combining it with real actors, being a reference for animators around the world. .

The path has not always been easy, as the study has had to adapt to adverse situations such as the Second World War, the emergence of more and more competition, technical innovations and above all the socio-cultural changes that have manifested in all kinds of changes in public taste.

This is not to mention that in 2020 it faced, like the rest of the world and the vast majority of entertainment companies, a pandemic that would close cinemas around the world, forcing them to accelerate their strength in streaming with Disney Plus.

That is why to celebrate the extensive catalog of a studio with the amount of time in the market such as the mouse, we review the legacy of Walt Disney with a ranking of his animated films, What is your favorite?

56. The Magic Cauldron (Dir. Ted Berman & Richard Rich, 1985)

Considered by many to be the most infamous project in the entire history of Disney movies, The Magic Cauldron was born when Disney couldn’t get hold of the adaptation rights to The Lord of the Rings. Far from succumbing to the refusal, the obsession to experiment in the fantastic epic led him to combine the bases of JRR Tolkien with Welsh mythology to tell the story of a young man who ends up involved in the struggle of an ancient cauldron with the ability to resurrect. to the dead to create an invincible army. A very interesting premise, but one that collapses with protagonists who never achieve identification with the public, one of the worst sidekicks in the entire history of the company and a pig whose magical trances will be decisive for the victory of good. Even more regrettable is that these errors doomed the King of Evil, who seemed to have everything it took to become one of the study’s most memorable villains. A film more than unforgettable, to the degree that it tends to top the lists of Disney films most detested, or worse, never seen by the public.

55. Cows cows (Dir. Will Finn & John Sanford, 2004)

Not only is it one of the most despised Disney films, but it is considered one of the lowest points in its entire history. A too basic plot about a third of cows looking for a way to rescue the ranch where they live, a simplistic aesthetic inspired by the designs used by Chuck Jones for the Looney Tunes and a duration of just 76 minutes that prevented further development and the it was used almost exclusively for children. This would not have been so serious with characters a little more endearing and not as inconsequential as those presented on screen. An unworthy film of the studio that defined the direction of animation.

54. Dinosaur (Dir. Eric Leighton & Ralph Zondang, 2000)

Much has been debated about how hyperrealism, so useful for the field of visual effects, is not always the best solution for animated cinema. The most recurrent example of this is the Zemeckis mocap, but Dinosaurio was also decisive in learning the lesson. In an effort to shed its traditionalism, Disney movies tested a naturalistic tape that captured an iguanodon’s efforts to survive being hunted by predators and falling from a meteorite. In an effort to raise the levels of realism, the studio resorted to complex software, placed its characters in real digitally altered settings, and even considered making a film devoid of dialogue and having the characters express their feelings with roars and other sounds. but this last idea was rejected as too extreme. This technical complexity did not serve him much in front of an audience that never embraced his story, considering it too generic, or what is the same, very, very far from the narrative greatness that has always characterized the studio. A film with a regrettable fate, because today few remember its existence, which belongs to the studio’s catalog and which was its first title with computational protagonists.

53. Chicken Little (Dir, Mark Dindal, 2005)

Nobody expected Mark Dindal, responsible for The Emperor’s Folly, to add a new animated classic to Disney movies. Instead, the studio seemed to settle for a fun enough reinvention of the classic tale to reconnect with audiences after several years of irregularity, with the added quirk that it would be their first purely computational film. The gamble worked halfway, as the relaxed tone and technical innovation gave an acceptable box office, but also a chaotic story that far from respecting the legacy, seemed eager to imitate any formula that would guarantee the attention of the audiences. This includes the incorporation of alien elements just like Lilo & Stitch did a few years earlier, and the absurd humor that was giving DreamWorks and BlueSky such good results. A fun film, designed for immediate success, but not for immortalization in people’s hearts and memories.

52. Greetings friends (Dir. Varios, 1943)

World War II and the ups and downs at the box office of some previous films made the production of animated feature films unsustainable for a time, forcing Disney animators to clamp down on their films until the situation normalized. This is how Greetings friends was born, 42 minutes long divided into four segments in which a trip by Donald and Goofy through different parts of South America is shown. A narrative decision with purely political purposes, since the project had support from the North American government to make a film that would bring the entire continent together in the face of the proximity of some governments with the Nazi party. This strategic value condemned it with the passage of time, because today it is seen as a cluster of stereotypes that, far from promoting the Good Neighbor Policy, reflect the wrong vision of the Americans about Latin America. Little known today, his greatest legacy was the first appearance of José Carioca and that the Chilean segment, Pedro, generated such disenchantment that he led to the creation of Condorito by Pepo. It was the first film of the so-called War Era, also known by many as the Packaged Era for the type of titles released.

51. The three gentlemen (Dir. Norm Ferguson, 1945)

Direct heir to Saludos amigos, who maintained the intention of exalting the good neighborliness between the United States and Latin America, this time with Donald celebrating his birthday in the company of his friends José Carioca and Pancho Pistolas, resulting in an exotic trip through Brazil and different points of Mexico. Like its predecessor, it has been harshly criticized for its multiple stereotypes, as well as for the macho vision of the animated duck that is dedicated to desperately persecuting women during its journey. This construction has distanced it from the great animated jewels of the studio and has made it a curious historical piece within the industry and even an object of analysis for intercultural studies. Of course, despite its production in such an adverse global situation, The Three Caballeros had a decisive achievement for the future of the technique: being the first film to incorporate animated and live-action elements simultaneously.

50. The family of the future (Dir. Stephen J. Anderson, 2007)

The Family of the Future is not one of the most memorable Disney films, but it came very close to being the most infamous after a poor creative process that missed several fundamental elements, including a villain. It was saved because its production coincided with the acquisition of Pixar, which made John Lasseter chief creative officer at Walt Disney, who soon ordered several major changes to try to save the project with the least possible expense. In the end he achieved his goal, with a family history moving enough for the public and critics to forgive his many failures, among which his chaotic construction due to numerous jumps in time and his lukewarm computational technique that had nothing to do stands out. before new titans like DreamWorks or Pixar himself. Of course, not even Lasseter’s touch could guarantee absolute communion with the public, since today it is one of the most forgotten titles in the long history of the studio.

49. Music teacher (Dir. Varios, 1946)

Although it was released a year after World War II, it is considered a direct result of the war, with the studio returning fully to the world of short films due to the recruitment of an important part of its staff and the economic problems that afflicted the company. american union. Its lack of dialogue to prioritize music has led it to be considered a younger sister of Fantasía, although with a considerably lower technical quality and with a more caricatured story that was primarily aimed at children. This caused most of its segments to be lost in time, with Peter and the Wolf and The Whale Who Wanted to Sing at the Opera being the most prominent, although far removed from the greatness seen in other mouse works. Although it is not completely forgotten within Disney films, thanks to the controversy that arose at the beginning of the 21st century, when the segment Los Guerrero y los de León was deleted from the home format as it was considered too violent.

48. Rhythm and melody (Dir. Varios, 1948)

Direct heir to the Silly Symphonies, Fantasy and Master Music, but with the uniqueness that it relied on folk music and border stories to give a highly nationalist collection that sought to exalt unity after World War II and in the face of the threat of the Cold War. This film did not shine entirely as a unit, but many of its shorts did so in isolation, to the extent that some have been released in other compilations. Among the most famous are The Legend of Juanito Manzanas, Roy Rogers and The Story of Pecos Bill and especially Juventud Enamorada, whose winter essence has made it an essential classic of the Christmas season and Disney movies.

47. The fox and the hound (Dir. Varios, 1981)

Disney movies have always known how to play on the emotions of their audience, with Dumbo and Bambi being the best examples of this. Almost 40 years later, The Fox and the Hound was added to the list with the poignant, but very painful, story of two cubs who begin a tender friendship until man forces them to honor their differences to become enemies by nature. Unfortunately for the film, this important life lesson is lost in a fairly regular technique, with the fight between the protagonists against the fierce bear being the only exception as it is considered one of the most brilliant animated film sequences of all time. A film loved by those who grew up with it, but with little to do with a catalog with considerably higher titles.

46. ​​Oliver and his gang (Dir. George Schribner, 1988)

The closing of the Dark Ages of Disney movies did not come with a brilliant title, but with an extremely controversial one: an adaptation of Oliver Twist by Charles Dickens, but reinvented with a small New York feline as the protagonist. An offensive decision for some who saw it as an outrage to one of the greatest classics of world literature, but understandable for those who considered it an interesting resource to attract children to the work of one of the great writers of all time. Beyond the debate, the film was not well received by a critic who considered it unworthy of the legacy of the study and that immediately positioned it among their inferior works. Audiences did not quite match, with a domestic box office powerful enough to win the intense race against Universal and Don Bluth with his Little Foot in Search of the Enchanted Valley (1988), which inspired the studio to accelerate its creative processes to release a film year.

45. Fun and fantasy (Dir. Varios, 1947)

Like Música maestro, Diversión y Fantasia emerged as an effort to sustain the studio from short films after the ravages of World War II. The result was modest, but memorable with only two segments that allowed for a higher technical and narrative quality. The first is Bongo, about a circus bear who escapes from captivity to live a love story; the second and most famous is Mickey and the Beanstalk, which shows Mickey, Donald and Goofy’s foray into a fantastic kingdom where they must face the gigantic Willie to unleash a magic harp. Although it was warmly received by an audience that began to despair with the simplicity of the stories presented, time gave it a place in the hearts of the audiences, to the extent that today it is considered one of the most outstanding appearances in the entire history of the Disney movies.

44. The follies of the emperor (Dir. Mark Dindal, 2000)

Disney movies tried to get around the first stumbling blocks of their Second Dark Age with a formula that had almost always worked for them: humor. To do this he resorted to a comedy about an arrogant Inca emperor magically transformed into a flame and whose only help comes from a villager he once despised. The film was profitable in large part because of its low production cost, since with a global gross of $ 90 million it was a far cry from the great successes obtained a few years ago. This tepid response is attributed to the general disenchantment with a film that, while fun, lacks the technical and narrative quality that had always characterized the studio. In other words, a minor product that has never had a place among the great classics.

43. Atlantis: The Lost Empire (Dir. Gary Trousadale & Kirk Wise, 2001)

The creative duo of Gary Trousdale and Kirk Wise, responsible for the multi-award winning Beauty and the Beast and the artistic The Hunchback of Notre Dame, teamed up for the third time to pull Disney films out of the creative pothole they were in. To achieve this, the pair got rid of old musical formulas to try an adventure story inspired by the work of Jules Verne, supported by Mickey Mignola’s design and that follows a group of explorers in search of the mythical Atlantis. The studio had very high expectations around the project, to the extent that it invested close to $ 100 million dollars in its production and contemplated a related attraction for its theme parks, but the plans fell apart with its very modest collection that barely covered the initial investment. His rejection, more than quality issues, is that he wanted to get rid of the clichés so much, that it never felt like a studio film: the lack of songs, an oppressive aesthetic, its hostile plot and even the depth of its critical themes. capitalism and a controversial exploration of racial segregation. Even more serious was that it was released at a time when traditional animation, however innovative it was, seemed to become obsolete due to the success of computational technique. It wasn’t even nominated for an Oscar for Best Animated Film in the category’s debut, in a shortlist that included Shrek, Monsters Inc., and Jimmy Neutron.

42. Bernardo and Bianca in Cangurolandia (Dir. Hendel Butoy & Mike Gabriel 1990)

The wide possibilities with Margery Sharp’s source material and the good response from Bernardo and Bianca made Kangarooland the studio’s first animated feature film sequel. He struggled to replicate the results with a less stark story, this time focused on poaching and a child’s friendship with the animal kingdom. To this, let’s add its variations in the technique with finer outlines and brighter colors, but also with a less innovative animation than the original in the figure of Madame Medusa. The result is a fun and moving adventure that seeks to convey important messages, but in a generic way and with forgettable characters, Jake, the adventurous mouse being the only exception, supported in large part by the jealousy that it produces in Bernardo. His legacy was further complicated by the stiff competition he faced during its premiere, coinciding with My Poor Little Angel, Rocky V and Chucky: The Devil Doll 2.

41. Land of bears (Dir. Aaron Blaise & Robert Walker, 2003)

In an effort to emulate the successes of the previous decade, Disney rescued the formulas used by The Lion King and Tarzan to tell a story centered on animals, with wild nature as a key element, a plot endowed with Shakespearean overtones and a musical selection to by Phil Collins, who had already collaborated with the studio on the adaptation of the ape man. As expected, his recycling of elements was not well received by an audience that never connected with the tormented protagonist, the cub condemned to orphan after the murder of his mother, or with the moose, which could well be among the worst sidekicks of the last years, so that it did not take long to accuse it of being too generic and then condemn it to oblivion. Against all odds, it managed to be nominated for an Oscar in the category of Best Animated Film, a recognition attributed to the legacy of the studio and the lack of contenders above technical or narrative quality.

40. The aristocats (Dir. Woolie Reitherman, 1970)

Disney movies always showed a great affinity for dogs, but not for cats, with Pinocchio’s Figaro being one of the few exceptions to this rule. This changed with the premiere of The Aristocats, this story about a wealthy feline litter that receives help from a suburban cat after an envious butler throws them into the street after being ignored of the will of their wealthy boss. It was the last project authorized by Walt before his death, which contributed to the critics receiving it with good eyes, calling it funny and light. These labels changed over time, to the extent that today it is seen as the beginning of the study’s Bronze Age, also known as the Dark Age, with experimental plots that resulted in overly simplistic stories and with an excessive use of xerography that, Although it was intended to facilitate the animators’ work, it resulted in the extreme recycling of movements seen in previous characters.

39. Robin Hood (Dir. Woolie Reitherman, 1973)

Despite its apparent simplicity, Robin Hood is seen as one of the most controversial films in the entire history of the studio, starting with the animal conversion of its characters: some see it as a decision that only sought to increase profits through the public childish; for others, a highly original way of exalting the personality of heroes and villains, as well as a posthumous tribute to Walt Disney who always dreamed of adapting the medieval story of Reynard the Fox, an idea he eventually discarded as too challenging. However, the controversy came with the conjectures of some about an alleged sexual tension between the protagonists, something never seen in previous films of the study that were limited to capturing idealized romances. Not forgetting the blatant use of xerography, with Lady Marian replicating Snow White’s famous dance and Little John Baloo’s moves. None of this has prevented the affection of a large part of the public, who almost 50 years after its premiere continues to see it as one of the greatest adventures made by the studio.

38. The legend of Sleepy Hollow and Mr. Toad (Dir. Varios, 1949)

The last time that Walt Disney turned to short film as a cinematographic resource in almost 50 years, as well as the highest quality since the celebrated Fantasia. This can be felt in the narrative and technical aspects with which two masterpieces of world literature are approached, such as The Legend of Sleepy Hollow by Washington Irving and The Wind in the Willows by Kenneth Grahame. The first is considered the most terrifying story in the entire history of the studio and therefore, one of the most risky, which made it a public favorite and a classic for the Halloween season; the second is celebrated for its exaltation of the absurd, but also because it consolidated the use of anthropomorphic animals within the study, with an original novel whose use of these same beings would serve as a source of inspiration for later films such as Robin Hood, Policemen and Mice, and Bernardo and Bianca as some of the most outstanding results. It was the last release corresponding to the War / Packed Era.

37. Bernardo and Bianca (Dir. Varios, 1977)

The adaptation to Margery Sharp’s children’s novels seems a small thing before the great Disney classics and even so, it has been pointed out as the first antecedent of the animated revival that would occur within the studio almost a decade later. This appreciation is due in large part to its mature, and even dark, plot that tackles an extremely complex subject such as child abduction and softens it with an international mouse organization willing to help. To this we add the originality of her technique that stands out in the figure of Madame Medusa, one of the most fascinating villains in the studio who, without having great historical recognition from the public, has become a study of aspiring animators for generations. . Much of this success has been attributed to the film combining the experience of veterans like Milt Kahl, Ollie Johnston and Frank Thomas with the young talents of Glen Keane, Ron Clements and Andy Gaskill, all of whom were instrumental in later successes. The studio was so satisfied that they awarded it a sequel, being the first animated feature film to receive this award.

36. Fantasia 2000 (Dir. Varios, 2000)

Disney wanted to enter the 21st century in a big way, which is why it took up one of its greatest classics to recapture the magic of animation in its purest form. A brave decision, although unnecessary and incomprehensible, since it seemed impossible that the study would approach the status of its predecessor or that its premise would triumph at the box office when the original never did. The worst predictions were fulfilled, with a very poor global collection of $ 90 million dollars that barely covered production costs for this same amount and worse, with a tepid criticism that only saw touches of greatness in some segments. The situation was so serious that Fantasia 2000 marked the beginning of what is now known as Walt Disney’s Second Dark Age. The truth is that, although it is still far from emulating what was done by the 1940 film, it has gained appreciation in some sectors of the public who increasingly enjoy some episodes, with Rhapsody in Blue and The Firebird being the most acclaimed, which it has allowed him to replace his failure label with cult film for select audiences.

35. Bolt (Dir. Bryon Howard & Chris Williams, 2008)

It was the studio’s first film under the supervision of John Lasseter as chief creative officer, resulting in one of Disney’s best-developed plots after nearly a decade of irregularities and its first major achievement in the field of computational animation with software. that gave unique finishes to the stages by replicating the aesthetics of artist Edward Hopper. Even more important were its complex plots and the relevance of its messages, with an actor dog deceived in the style of The Truman Show and whose escape takes him on a journey of self-discovery that leads to a family life that previously seemed impossible. It is considered the last film of the so-called Second Dark Age of the study, although there are those who believe that it really deserves to be considered the great inaugurator of the Resurgence.

34. The Adventures of Winnie the Pooh (Dir. John Lounsbery & Woolie Reitherman, 1977)

The adaptation to the work of AA Milne is considered a true flash in the middle of Walt Disney’s darkest period, to the extent that its characters are among the highest in the entire studio gallery, surpassed only by Mickey himself and company. This was because the production was very careful to capture all the original printed essence, with charming protagonists, starting of course, with the bobito, all endowed with very different personalities, but complementary in their fascinating community and more importantly, always guided by the value of friendship. To this we add its simple aesthetics, but always respectful of the source material, to the extent that it is usually compared to the experience of reading a book for the little ones. It may not be the studio’s most brilliant feature film, but it is one of the great children’s classics of all time.

33. Police and mice (Dir. Varios, 1986)

Disney’s so-called Dark Age was characterized by the use of animals as the protagonists of great stories. Such is the case with Policemen and Mice, which was inspired by Arthur Conan Doyle’s Sherlock Holmes to address the story of a rodent detective and his incursion into a mysterious case that will lead him to a dangerous enemy. It was considered a whiff among the fans that began to worry about the low level shown with The Fox and the Hound and The Magic Cauldron because, although it has always been far from the great classics, it was applauded for the charisma of its main characters, as well as for the dark tone that made it the first and only suspense film in the entire history of the studio. Its success was no coincidence, as the film marked the debut of Ron Clements and John Musker, the duo responsible for some of the studio’s greatest achievements during the 90s, which is why it is considered an important precursor to the company’s Renaissance. .

32. Winnie the Pooh (Dir. Stephen J. Anderson & Don Hall, 2011)

The return of the bobito, occurred almost 35 years after the premiere of the original film, is considered by some as a small bump in the so-called Era of Resurgence. Not because of a lack of quality, much less emotionality in his themes and messages, but because of his excessive technical and narrative simplicity that was intended primarily for children and of course, the great fans of the character. These labels almost seem unfair when we remember that John Lasseter’s intention was to offer a film that would transcend generations, supported by one of the studio’s most endearing characters and more importantly, with the traditional technique that gave so many joys to the public in the past. He half achieved it, because although it is a moving, funny and beautifully crafted film, it never achieved the desired impact among audiences. Some attribute this response to possible confusion with other films about the Hundred Acre Forest dwellers that went straight to the home format, as well as the stiff competition that that year included Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2. Whatever the answer, the film was unjustly doomed to oblivion, as few today seem to remember it in an era clearly dominated by computational animation. To date, it represents the mouse’s last foray into traditional technique.

31. Treasure Planet (Dir. Ron Clements & John Musker, 2002)

The success of Lilo & Stitch raised hopes that the Second Dark Age was nearing its end and more because the next film looked like a safe bet against the direction of Ron Clements and John Musker, whose work on The Little Mermaid, Aladdin and Hercules was decisive in the Second Golden Age. As was customary in his later work, the project broke away from old fairy tales to focus on an adventure, which this time would take us into outer space with a reinvention of Robert Louis Stevenson’s Treasure Island. The project stood out for its impressive aesthetics, but was unable to conquer the public with a story that, beyond its futuristic elements, was accused of being too traditionalist, which lagged it in an increasingly competitive animated industry that that year included rivals. like Spirited Away, The Ice Age, Spirit and Lilo & Stitch herself. Add to that the competition from the fantasy genre and comics with titles like Harry Potter and the Chamber of Secrets, The Lord of the Rings: The Two Towers and Spider-Man. Time has risen in public appreciation to the point that it is a recurring title on underrated animated movie lists, but it is still a long way from even approaching classic status.

30. The Hunchback of Notre Dame (Dir. Gary Trousdale & Kirk Wise, 1996)

The adaptation to Victor Hugo’s work resulted in one of Disney’s greatest artistic works, but also one of his most controversial works. On a technical level, the animated reconstruction of the Paris Cathedral is simply perfect, a task that required a significant part of the production team to travel to the French capital for a private tour that would allow them to get to know the building in depth. Los problemas estuvieron en el guion, pues la novela aborda temas demasiado complejos que no fueron bien trabajados en la cinta en beneficio de las audiencias más jóvenes. La gran excepción fue Frollo, cuyos deseos por Esmeralda resultaron en la cinta con mayor sensualidad en toda la historia del estudio. Todo esto condujo a una serie de cambios narrativos que dieron una serie de alteraciones temáticas que desembocaron en un final radicalmente distinto al de la obra literaria original. La redención podría llegar en un futuro cercano, pues Disney la tiene en la mira de sus remakes de acción real.

29. Tarzán (Dir. Chris Buck & Kevin Lima, 1999)

Se le considera un heredero directo de El rey león, no sólo por su naturaleza selvática, sino porque replicó algunas de sus estrategias para convertirse en uno de los mayores éxitos taquilleros del estudio. Esto incluye una historia dirigida a los cuatro puntos demográficos más importantes (mujeres y hombres mayores y menores de 25 años), una atinada pero sutil utilización de técnica CGI y la alianza con grandes músicos como fue el caso de Phil Collins. Arrancó con fuerza en crítica y taquilla, pero fue perdiendo potencia hasta convertirse en una de las cintas más olvidadas de su tiempo, marcando así el final de la Segunda Era Dorada del estudio del ratón. Su debacle nunca ha sido bien explicada del todo, pero suele ser atribuida a la evidente replicación de fórmulas vistas en El rey león en combinación con la competencia de proyectos más innovadores que estrenaron ese mismo año como Toy Story 2 y El gigante de hierro. Esto explica las razones por las que el estudio realizó cambios tan abruptos en años posteriores, en la que sería conocida como la Segunda Era Oscura.

28. Wifi Ralph (Dir. Phil Johnston & Rich Moore, 2018)

La secuela de Ralph el Demoledor dejó atrás la arcada original para expandirse al mundo del internet. Las posibilidades parecían infinitas, pero la producción optó por una ruta más sencilla, pero también más traicionera. Una cinta plagada de referencias al emporio Disney que, si bien resultó divertida, también sacrificó el encanto de la primera entrega con una trama predecible y que incluso deambuló por la banalidad, ya que sus mejores momentos no surgieron de los mensajes enviados por sus personajes principales, sino de simples homenajes a la cultura pop. Finalmente, se dice que su dependencia a fenómenos culturales y tecnológicos de una época tan concreta podrían condenarla a un olvido demasiado prematuro. El tiempo tendrá la última palabra.

27. Pocahontas (Dir. Mike Gabriel & Eric Goldberg, 1995)

Suele ser vista como el eslabón más débil de la Segunda Era Dorada, cuando realmente es una cinta infravalorada por su abrupto rompimiento con los títulos que le antecedieron. Esto porque fue etiquetada como una historia de princesas, que no es lo mismo que un cuento de hadas. Esto generó una confusión en el público, así como una decepción generalizada ante una cinta que se sustentó primordialmente en sucesos históricos y que sólo se apoyó en la fantasía para facilitar la transmisión de mensajes sobre aceptación y conservación. El cambio en el diseño de personajes tampoco fue de gran ayuda, con facciones más toscas que buscaban favorecer el realismo, pero que batallaron por conquistar a las audiencias. Aunque lejos de las cintas más valoradas, cada vez son más los que externan su aprecio por Pocahontas, al considerarla un paso fundamental para una industria más incluyente al ser el primer largometraje animado del estudio protagonizado por un personaje no-caucásico y sin caer en estereotipos como sucediera con Saludos amigos y Los tres caballeros.

26. Lilo & Stitch (Dir. Dean DeBlois & Chris Sanders, 2002)

El único éxito de la Segunda Era Oscura, con el que se demostró que la debacle nunca radicó en la técnica tradicional, sino en la necesidad de historias originales y acordes con las nuevas audiencias. El éxito recae completamente en Dean DeBlois y Chris Sanders, directores y guionistas del que figura entre los filmes más rompedores del estudio, que fusionó elementos de comedia, drama y sci-fi para narrar la historia de un experimento genético alienígena cuya destructiva programación original cambia con el cariño de una niña solitaria. Hay quienes han simplificado su éxito al atribuirlo a la simpática apariencia física de la criatura y sus altas dosis de humor, pero lo cierto es que buena parte de su aceptación también recae en su reflejo de la imperfección familiar con dos hermanas que sólo se tienen una a la otra tras el deceso de sus padres y que encontrarán en la amistad lazos afectivos que parecían perdidos para siempre. Para bien o para mal, la alianza entre el ratón y la dupla creativa duró poco, pues no pasó mucho tiempo para que estos últimos fueran reclutados por DreamWorks para la concepción de una auténtica obra maestra del cine animado: Cómo entrenar a tu dragón. Pasó a la historia del estudio por ser la primera cinta del estudio nominada al Oscar en la categoría de Mejor película animada junto con El planeta del tesoro.

25. Hércules (Dir. Ron Clements & John Musker, 1997)

Luego de las excesivamente serias Pocahontas y El jorobado de Notre Dame, el estudio decidió regresar a un cine más humorístico con Hércules, una reinvención del mito griego que abordara el camino a la divinidad del personaje titular, no a partir de sus complejas tareas, sino de lecciones de su conversión en un héroe verdadero. La dirección comandada por Ron Clements y John Musker replicó muchas de las fórmulas empleadas anteriormente en Aladdin: una animación sencilla con algunos toques de CGI y un personaje altamente humorístico como fuera Hades con la voz de James Woods, y las complementó con un diseño de producción supervisado por el caricaturista Gerald Scarfe con el que se buscó una estética alternativa que emulara el arte de la antigua Grecia. Estas apuestas funcionaron a medias: el villano fue bien recibido, pero nunca logró la grandeza de Robin Williams como el Genio; la modesta técnica animada siempre fue vista como uno de los puntos más débiles del proyecto; y, aun así, la cinta se ganó un lugar en el corazón del público gracias a su ligereza. No estuvo exenta de polémica, pues en Grecia se le acusó de alterar el mito clásico en beneficio de intereses meramente comerciales.

24. Frozen II (Dir. Chris Buck & Jennifer Lee, 2019)

El impresionante éxito de Frozen convirtió a Elsa y Anna en las primeras princesas de películas de Disney con una secuela cinematográfica, un gran honor acompañado del enorme reto de, al menos, igualar lo hecho por el filme original. Para lograrlo, la producción evitó el simple reciclaje de elementos y apostó por la evolución de los personajes que, lejos de caer en el ‘vivieron felices para siempre’, siguen enfrentando toda clase de dilemas cuya resolución les conducirá a la madurez, el autoconocimiento y la anhelada felicidad. Ninguno escapa de esta tendencia, ni siquiera el simpático Olaf, quien se refrenda entre los sidekicks más importantes del estudio cuando su inocencia natural va cambiando hacia emociones más complejas, convirtiéndose en un importante guía para las audiencias más pequeñas que atraviesan por procesos similares. Mención aparte para su impresionante técnica, que supera con creces lo hecho por la primera entrega para dar algunas de las secuencias más memorables en toda la historia del estudio, poniéndose a la par visual de clásicos como Fantasía y La bella y la bestia.

23. Grandes héroes (Dir. Don Hall & Chris Williams, 2014)

La compra de Marvel Comics por parte de Walt Disney en 2009 hizo que el salto de los superhéroes al mundo animado de las películas de Disney pareciera sólo cuestión de tiempo. La premisa se cumplió en 2014, no con grandes referentes como Avengers, Fantastic Four o X-Men, sino con un grupo secundario para la casa editorial, cuya poca popularidad entre los aficionados permitiría realizar algunos cambios en beneficio de una historia más amable. Fue así como Baymax pasó de ser un monstruo a un inocente robot médico, pero sin alterar el cariño de Hiro que lo considera su mejor amigo tras las pérdidas familiares sufridas en el pasado. El respeto de esta base evitó que Grandes héroes fuera etiquetada como una simple película de superhéroes, sino como una historia entrañable dotada con grandes dosis de acción. Aunque algunos puristas la despreciaron, fue aplaudida por el público general que no tardó en preguntarse si estos personajes tendrían cabida en un MCU que cada vez apostaba por protagonistas más alternativos como fue el caso de los Guardianes de la Galaxia. El ratón prefirió evitar las combinaciones y posibles confusiones, pero no rompió la tradición de los cameos, con uno de los más brillantes de Stan Lee en toda la filmografía marvelita. Ganó el Oscar a Mejor película animada.

22. Mulán (Dir. Tony Bancroft & Barry Cook, 1998)

Tras abordar el mito griego con Hércules, películas de Disney voltearon al chino con Mulán para rescatar la historia de una joven que roba la armadura de su padre y se hace pasar por un hombre durante la invasión mongola, convirtiéndose así en la gran heroína del conflicto bélico. A pesar de una animación superior a la vista en su antecesora y más apegada a los mayores éxitos renacentistas del estudio, el filme nunca sobresalió por su técnica, sino por su mensaje al ser la primera cinta en capturar la grandeza femenina fuera de los estereotipos de las princesas, lo que le permitió enfatizar valores como la valentía, la lealtad y el heroísmo. No menos importante fue que esto se logró sin necesidad de caer en la seriedad extrema, con Mushu como uno de los sidekicks más destacados en la obra del estudio gracias al talento humorístico de Eddie Murphy. Si no es uno de los filmes más taquilleros de Disney es sólo porque una serie de conflictos previos retrasaron su estreno en China durante más de un año y porque las audiencias consideraban que el personaje titular no lucía lo suficientemente asiática.

21. Moana (Dir. Ron Clements & John Musker, 2016)

Ron Clements y John Musker, considerados por muchos como la dupla realizadora más importante durante la Segunda Era Dorada de las películas de Disney, no podía estar ausente del Resurgimiento con un cuento de hadas alternativo que fusiona mitos polinesios, princesas y muchas aventuras para relatar la historia de una joven elegida por el océano para calmar la ira de una diosa local y salvar a su pueblo de la aniquilación. La cinta, apoyada en una impresionante animación de elementos naturales, ha sido aplaudida por su gran variedad de mensajes como el conservacionismo ambiental, la reivindicación cultural de las naciones y su necesidad de abrirse a un mundo más allá de las fronteras. No menos destacado fue que la elección de Dwayne Johnson como el alocado Maui garantizó la universalidad del proyecto al romper para siempre con los anticuados clichés que dictaban que las películas de princesas eran sólo para niñas. A pesar de ser una de las cintas del estudio mejor valoradas por la crítica, su derrota en la carrera por el Oscar animado y su menor popularidad en comparación con Frozen han generado una sensación de rezago en uno de los periodos más brillantes del estudio.

20. 101 dálmatas (Dir. Clyde Geronimi, Hamilton Luske & Woolie Reitherman, 1961)

Los buenos resultados cosechados unos años antes por La dama y el vagabundo hicieron que películas de Disney recurrieran nuevamente al mejor amigo del hombre para una nueva película. Fue así como nació 101 dálmatas, que inspirada en la novela infantil de Dodie Smith, nos introduce con una camada cuya tranquilidad se ve interrumpida por Cruella de Vil, quien desea hacerse con los cachorros para confeccionar un elegante abrigo de pieles. Aunque ha sido bien acogida por el público desde su estreno, siempre ha generado la sensación de que su éxito radica en una carismática villana que opaca por mucho a sus tibios protagonistas, que sus esfuerzos por cambiar de técnica animada resultaron en gráficos poco elegantes y sucios ante el exceso de líneas y que rompe abruptamente con el uso de canciones para acompañar las acciones. Hoy en día, esto último es visto como un claro indicio de la debacle que vendría una década después, pero ni siquiera esto evita que 101 dálmatas se mantenga como un título querido y emblemático entre los aficionados del estudio.

19. Dumbo (Dir. Ben Sharpsteen, 1941)

La tibia recepción de Fantasía hizo que las películas de Disney se inclinaran por una historia considerablemente más sencilla para su siguiente proyecto. Fue así como nació Dumbo, cuya simplicidad resultó en una de las cintas más cortas del estudio con apenas 64 minutos de duración, pero también una de las más emotivas con un elefante cuyas enormes orejas son motivo de burla, hasta que le vuelven la mayor atracción del circo al darle la capacidad de volar. Esta construcción la destinó a un público mayoritariamente infantil, e incluso condenó la grandeza de muchos de sus personajes, siendo Timoteo el más afectado a pesar de ser un sucesor natural para el legado de Pepe Grillo. Nada de esto ha impedido que los adultos derramen algunas lágrimas con el encuentro del pequeño protagonista con su madre aprisionada, ni que se emocionen con la mítica escena de los elefantes danzantes cuando la dupla estelar bebe una buena cantidad de alcohol, en una secuencia que resultaría irrealizable en nuestros días. Un clásico en toda la extensión de la palabra, pero que se queda corto ante tramas mucho más profundas.

18. Ralph el demoledor (Dir. Rich Moore, 2012)

Las películas de Disney batallaron mucho por encontrar historias novedosas que le permitieran desprenderse del tradicionalismo que siempre le caracterizó y conquistar nuevas generaciones de aficionados. El camino empezó a definirse con Ralph el demoledor, que nos adentró al mundo de los videojuegos con un villano cuyos deseos de aceptación le llevan por una peligrosa misión que cambiará su mundo para siempre. Generó altas expectativas por los cameos de personajes clásicos como Pac-Man, Sonic, Q*Bert y los guerreros más importantes de Street Fighter, pero estas apariciones pasaron a segundo término con un argumento cuyas innovaciones narrativas -lo que incluye los héroes más improbables hasta ahora-, le permitieron rescatar los valores más tradicionales del ratón. Mención aparte para las poco valoradas complejidades en su técnica animada, pues los distintos mundos presentados obligaron a la realización de diseños y movimientos completamente diferentes, que van del viejo pixelado al fotorrealismo extremo. Fue aquí cuando empezó la tendencia ascendente en la era del Resurgimiento.

17. El libro de la selva (Dir. Woolie Reitherman, 1967)

Aunque no tiene la calidad visual de las mayores joyas de las películas de Disney, El libro de la selva no tuvo problemas para convertirse en una de las películas favoritas del público gracias a la carismática personalidad de su elenco animal durante las travesías de Mowgli, mejor conocido como el cachorro humano, para llegar a la aldea. Entre los más celebrados están el alocado rey Louie, la siempre sobria Bagheera y el divertido Baloo, quien experimenta una conmovedora transición de un irresponsable amigo a una figura paternal que sólo busca lo mejor para el pequeño. Buena parte de su encanto también radica en sus canciones, con Lo más vital ascendida entre una de las más emblemáticas en toda la historia de los clásicos animados. En México es especialmente popular gracias al factor Germán Valdés, mejor conocido como Tin Tan y cuyo doblaje del oso se mantiene firme como el mejor trabajo de voz en nuestro país. También fue la última película en que trabajó Walt Disney antes de su deceso en 1966 y como tal, también se le considera el último título de la llamada Era de Plata.

16. Enredados (Dir. Nathan Greno & Byron Howard, 2010)

Su estreno suscitó grandes festejos al ser la número 50 de las películas de Disney, así como su primera princesa CG, pero también mucha incertidumbre por su abrupto cambio de título que pasó del tradicional Rapunzel al disparatado Enredados ante la promesa de una historia con altas dosis de humor. Las dudas se disiparon con una cinta virtualmente impecable, que fusionó los viejos tintes románticos con una jovialidad nunca vista en una pareja estelar, que supo trasladar el diseño de las heroínas noventeras al mundo computacional y que representó uno de los mayores retos técnicos del cine animado con la mágica y muy larga cabellera de la protagonista. Su estreno en un año que incluyó filmes como Toy Story 3, Cómo entrenar a tu dragón y L’illusionniste le privó de ser nominada al Oscar como Mejor película del año, pero no le evitó conquistar al público para convertirse en una de las cintas animadas más queridas de la nueva generación.

15. Alicia en el País de las Maravillas (Dir. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson & Hamilton Luske, 1951)

La más alocada de las películas de Disney que, inspirada en el clásico de Lewis Carroll, sigue la travesía de una chica británica por el extraño mundo de El País de las Maravillas. Algunos de sus personajes secundarios, como el Sombrerero, el Gato de Cheshire o el Conejo Blanco, no tardaron en posicionarse entre los más queridos por los aficionados. No así la historia, que si bien tiene una muy importante base de aficionados que la ha colocado entre los filmes más importantes del estudio, nunca ha conquistado al nivel de otros clásicos animados por su altísimo nivel de excentricidad, sus segmentos inconexos y la falta de un momento cumbre que le caracterice como al resto de los filmes del estudio.

14. Frozen: Una aventura congelada (Dir. Chris Buck & Jennifer Lee, 2013)

La renovación de las princesas de las películas de Disney, comenzada unos años antes con Enredados, alcanzó su punto más elevado con Frozen, que aprovechó las diferencias entre Elsa y Anna para mofarse de los clichés presentados en los viejos cuentos de hadas, destacando los amores cuasi instantáneos y la necesidad de una pareja para alcanzar el ‘felices para siempre’. Estas decisiones convirtieron Una aventura congelada en una de las cintas más populares en toda la historia del estudio, con los niños encantados por el cuento y los jóvenes/adultos fascinados ante las lecturas más profundas incluida la suposición de que la Reina de las Nieves es la primera soberana homosexual del estudio de Walt Disney. El ratón nunca se pronunció al respecto para confirmar ni negar las sospechas del público, pero esto no ha mermado su legado, ni su etiqueta de clásico instantáneo. A pesar de sus innovaciones, mostró un gran respeto por algunas tendencias de la vieja escuela, siendo su retorno al musical la más destacada de todas, con el tema ‘Let It Go’ convertida en su himno y en una de las canciones más destacadas de los últimos años. Finalmente, la naturaleza gélida de su historia y el tipo de escenarios obligó a elevar la batuta de la animación para capturar las inclemencias del tiempo con el mayor realismo posible. Todos estos elementos combinados le dieron el Oscar a Mejor película animada, siendo el primer largometraje de Disney en hacerse con el reconocimiento en más de diez años desde la fundación de la categoría.

13. Bambi (Dir. David Hand, 1942)

La primera de las películas de Disney que dejó atrás la fantasía para centrarse en el realismo, una decisión incomprendida para muchos que lo vieron como un sinsentido que desaprovechaba las posibilidades del cine animado. Más controvertida fue la molestia de algunos sectores del público que la consideró una crítica a la vieja tradición norteamericana de la cacería. Irónicamente, estas mismas críticas fueron vistas como fortalezas con el paso del tiempo y aumentaron la valía de Bambi entre las generaciones venideras. De hecho, los especialistas en la animación la posicionan entre los grandes logros en toda la historia de la técnica, con personajes tan tiernos que han sido fácilmente abrazados por los niños desde su estreno, pero con lecciones tan crudas que estremecen sin problema a los adultos. Una dualidad difícil de alcanzar y que la posiciona entre los mayores baluartes del estudio. Se le considera la última película de la llamada Era Dorada.

12. Aladdin (Dir. Ron Clements & John Musker, 1992)

El desarrollo de Aladdin comenzó en 1988, pero la producción batalló por encontrar el camino hasta 1991 con la historia que todos conocemos. Esto explica que la cinta tenga una técnica mucho más modesta en comparación con las cintas que le antecedieron, lo que no evitó el asombro ante la buena utilización de algunos elementos computacionales, entre los que destaca la Cueva de las Maravillas. Estos altibajos pasaron a segundo término gracias al estupendo desarrollo de su tercia protagonista: Aladdin, Jasmine y muy especialmente el Genio, quien no tardó en convertirse en uno de los personajes más queridos del público gracias al estupendo trabajo de voz de Robin Williams, quien lejos de conformarse con seguir el guion al pie de la letra, dio una cátedra de improvisación que dejó varias horas de material sin utilizar. Lamentablemente pasarán varios años antes de que escuchemos estas sesiones pues, aunque Disney quería aprovechar los audios en una cuarta entrega, el testamento de Williams lo impide legalmente hasta el 2040.

11. Peter Pan (Dir. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson & Hamilton Luske, 1953)

Peter Pan, el Capitán Garfio y Tinker Bell –también conocida en México como Campanita– ocupan una posición de honor entre los personajes más famosos de las películas de Disney, lo que resultó en la expansión de la historia con secuelas directas, la franquicia Fairies y el ascenso del hada como un auténtico emblema de la magia que caracteriza al estudio. Por extraño que parezca, la cinta nunca ha tenido la misma aceptación de sus carismáticos personajes, tanto por sus alteraciones a la popular obra de JM Barrie, la excentricidad de su historia y los estereotipos raciales de los indios. Incluso el protagonista ha sufrido numerosas críticas a lo largo de los años que van desde su consumo de tabaco hasta su presunta misoginia.

10. Cenicienta (Dir. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson & Hamilton Luske, 1950)

Si Cenicienta es una de las cintas más importantes películas de Disney es en buena parte porque representa un triple regreso para el estudio: al mundo del largometraje tras siete años enfocado en el corto; a los cuentos de hadas a una década de Pinocho; así como al reino de las princesas a 13 años de Blanca Nieves. Todos estos elementos también la hicieron una de las más queridas entre las audiencias, que a más de medio siglo de distancia sigue emocionándose con la historia de una inocente joven que, apoyada por aves y ratones, así como por su simpática hada madrina, le ayudan a superar los tormentos de su madrastra para alcanzar el amor del príncipe. La secuencia de la conversión al ritmo de Bibidi Babidi Boo, así como el calzado de la zapatilla de cristal, se ubican entre las más icónicas, al plasmar la magia que ha cautivado al público por generaciones. Su estreno representó el inicio de la Era de Plata.

9. La dama y el vagabundo (Dir. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson & Hamilton Luske, 1955)

Los animales siempre tuvieron un papel fundamental en las películas de Disney, pero nunca como protagonistas de una historia romántica. La situación cambió con La dama y el vagabundo que, inspirada en la historia Happy Dan, The Cynical Dog de Ward Green, abordó la relación sentimental entre una cocker spaniel y un mestizo. No fue bien recibida por la crítica al momento de su estreno, pero el tiempo le hizo justicia al posicionarla no sólo entre los clásicos imprescindibles del estudio, sino entre los grandes romances cinematográficos de todos los tiempos. Su momento cumbre es, sin duda alguna, la cena italiana que resulta en un tierno beso accidental que sonroja a la dama e inspira al vagabundo a darle la última albóndiga del plato. El beso más emblemático de los largometrajes Disney junto con el visto en La bella durmiente.

8. Zootopia (Dir. Byron Howard & Rich Moore, 2016)

El fotorrealismo alcanzado por películas de Disney y la madurez plasmada en sus historias parecía condenar a los animales antropomorfos al olvido, hasta que el talento combinado de Byron Howard y Rich Moore encontró el modo de rescatarlos con Zootopia. La cinta nos conduce a la urbe titular, donde sus habitantes del reino animal se muestran nerviosos ante la desaparición de toda clase de depredadores y su posterior conversión a un estado salvaje, un misterio que deberá ser resuelto por una coneja policía en colaboración con un astuto zorro. El simpático diseño de sus personajes la hizo sumamente atractiva para los más pequeños, pero la profundidad de sus temas le llevó a ser adorada por las audiencias más maduras que vieron en ella una historia de inclusión para un mundo cada vez más fragmentado. Ganó el Oscar a Mejor película animada y tuvo un estupendo paso por la temporada de premios a pesar de la dura competencia que le representó Kubo y la búsqueda del samurái. Más importante fue que dio una de las duplas animadas más importantes de los últimos años y refrendó la capacidad del cine animado para la transmisión de mensajes de gran relevancia social entre el público de todas las edades.

7. El rey león (Dir. Roger Allers & Rob Minkoff, 1994)

Resulta curioso que El rey león, uno de los mayores logros de las películas de Disney, estuviera peligrosamente cerca de formar parte de la Era Oscura, al ser concebida durante la producción de Oliver y compañía, y con su mismo director como candidato inicial para encabezar el proyecto. Esto no sucedió porque el proyecto pasó por varias revisiones durante la escritura del guion, lo que resultó en un muy afortunado retraso que le llevó hasta la Segunda Era Dorada del estudio. Buena parte de su fuerza radica en la potencia de su historia, que va de una apertura brillante engalanada por el talento musical de Elton John al trágico autoexilio del pequeño Simba y el emotivo reencuentro espiritual con el padre caído, todo esto sin olvidarnos de las divertidas lecciones de vida impartidas por Timón y Pumba. No todo es perfecto, pues su clímax es visto como uno de los más flojos del estudio. A esto sumemos la polémica que siempre le ha rodeado: se le acusa de ser una imitación simplificada de Hamlet, de plagiar la cinta de Kimba El león blanco y de inspirar un remake CGI completamente innecesario.

6. La bella durmiente (Dir. Clyde Geronimi, 1959)

Tuvieron que pasar casi diez años desde Cenicienta para que las películas de Disney regresaran a las princesas con La bella durmiente, un clásico instantáneo que se mantiene firme entre las películas más importantes del estudio por varias razones: la personalidad mejor desarrollada de Aurora en comparación con las anteriores soberanas facilitó su conexión emocional con las audiencias; Felipe fue el primer príncipe trabajado a fondo y la base para futuros héroes; sus variantes técnicas resultaron en una estética visual original, fascinante y muy distinta a los trabajos previos del estudio; mientras que su adaptación a la música de Tchaikovsky añadió un encanto especial que sigue cautivando hasta nuestros días. Mención aparte para Maléfica, quien no tardó en convertirse en la mejor y más poderosa villana del estudio y cuya eterna rivalidad con las hadas Flora, Fauna y Primavera resultó en la más mágica lucha del bien contra el mal jamás capturada por el cine animado. Lamentablemente, su brillante doblaje latino se perdió tras una demanda que exigía regalías por explotación en otros formatos, lo que obligó a un redoblaje meramente cumplidor que nunca ha conquistado del todo a quienes crecieron con el original.

5. La sirenita (Dir. Ron Clements & John Musker, 1989)

El mismísimo Walt Disney siempre soñó con una adaptación de La sirenita, pero el proyecto nunca pudo concretarse por numerosas razones. Quizá por ello, la exploración a la obra de Hans Christian Andersen parecía una obligación para películas de Disney, que tomaron el sueño inconcluso de su fundador con gran responsabilidad y lo convirtió en el primer exponente del Renacimiento animado, o como muchos prefieren llamarle, la Segunda Era Dorada de la compañía. Estas etiquetas se deben a que el estudio retornó a sus bases iniciales, con su primer cuento de hadas desde La bella durmiente –es decir, en 30 años–, pero con una clara evolución técnica y narrativa en beneficio de las nuevas generaciones. El resultado es una princesa que sueña con su amor, pero que lejos de ser una simple damisela en apuros como sucediera con sus antecesoras, tiene una parte activa en el desarrollo de la historia y con ello, en la lucha por concretar sus anhelos. Fue la primera cinta dirigida únicamente por Ron Clements y John Musker, una de las alianzas creativas más fructíferas del estudio y que resultó en algunos de sus mayores éxitos. No menos importante fue lo hecho por Alan Menken y Howard Ashman, cuyo talento convirtió a La sirenita en la primera obra animada con tintes de musical, una idea surgida de El mago de Oz (1939) y que marcó el inicio de una tendencia que sigue empleándose con buenos resultados hasta nuestros días.

4. Pinocho (Dir. Hamilton Luske & Ben Sharpsteen, 1940)

La marioneta que anhelaba convertirse en un niño de verdad fracasó rotundamente durante su estreno, no por falta de calidad en su historia, sino por las complicaciones internacionales de la II Guerra Mundial. Una vez terminado el conflicto, la cinta ascendió como un clásico instantáneo de las películas de Disney, una posición que retiene sin problemas hasta nuestros días gracias a su elevada dosis de emotividad capturada en Geppetto, el Hada Azul, Fígaro, Cleo y muy especialmente Pepito Grillo, considerado desde entonces como el mejor sidekick del estudio. Pero también debido a sus riesgos con momentos altamente perturbadores entre los que destacan el encierro de Stromboli, las embestidas de Monstro y el paso por Pleasure Island, cuyas conversiones de niños en asnos han generado pesadillas por generaciones. Una combinación desafiante que aprovechó la historio de Carlo Collodi para dar una cinta plagada de lecciones morales para los más pequeños y altas emociones para los adultos.

3. Fantasía (Dir. Varios, 1940)

Han pasado casi 80 años de su estreno y Fantasía sigue siendo una de las obras cumbre en toda la historia del cine y de las películas de Disney. La cinta nació con El aprendiz de brujo como parte de las Sinfonías Bobas, pero su costo de producción resultó tan elevado que Disney prefirió reservarla para una cinta que fusionara animación y música de un modo nunca visto. Fue un éxito entre la crítica, pero no así entre el público que no estaba listo para un filme de esta naturaleza lo que, aunado a las complicaciones económicas de la época y los pobres resultados de Pinocho, casi resulta en la bancarrota del estudio. Nunca ha sido la película más popular, ni tampoco la más rentable, sino la que deambula por el estatus de culto con un estilo cuasi experimental que más que una simple película, ascendió como una verdadera obra de arte. Esto no impidió el desarrollo de una secuela de menor impacto y calidad, ni que la imagen de Mickey hechicero se posicionara entre las más icónicas del emporio ratonil.

2. Blanca Nieves y los siete enanos (Dir. David Hand, 1937)

La animación parecía condenada al cortometraje y al público infantil, hasta que Walter Elias Disney cambió el rumbo de la técnica con Blanca Nieves y los siete enanos. Fue una apuesta difícil de concretar, que requirió la experiencia de los grandes animadores de la época, la utilización de sofisticada tecnología como la cámara multiplano para generar una sensación de fondo y que había sido probada previamente en las Sinfonías Bobas, así como el adecuado desarrollo de personajes para lograr la identificación del público de todas las edades. El objetivo se cumplió con creces, pues a más de 80 años de distancia, es uno de los grandes clásicos de la cinematografía mundial y de las películas de Disney, una auténtica pieza histórica entre los amantes de la animación, mientras que sus encantadores personajes siguen conmoviendo al público como desde el primer día, ubicándose además entre los más queridos en la amplia galería del ratón.

1. La bella y la bestia (Dir. Gary Trousdale & Kirk Wise, 1991)

Walt Disney intentó adaptar La bella y la bestia en los 30 y los 50, pero no fue hasta después de La sirenita que el estudio se dijo realmente listo para concretar la hazaña. La larga espera valió la pena, pues hoy es vista como uno de los mayores clásicos del ratón, pero sobre todo como uno de los puntos más altos en toda la historia de la animación gracias a la profundidad de su historia, así como la brillante construcción interna y externa de sus personajes: Bella continuó la tendencia comenzada por Ariel para afianzarse como la primera protagonista femenina que rehúye a los cánones asentados por las primeras princesas para mostrarse como una mujer capaz de valerse por sí misma; la bestia pasó por un elaborado diseño que resultó en un ser que puede lucir tan amenazador como amable. Finalmente, algunas de las canciones más memorables del estudio, destacando el tema principal engalanado por la mítica secuencia del baile en el salón. Garantizó su lugar en la historia como una de las mejores películas de Disney al convertirse en la primera cinta animada nominada al Oscar en la categoría de Mejor película, un mérito aún mayor si consideramos que sucedió cuando la terna sólo era integrada por cinco títulos.

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Luis Miguel Cruz Algún día me uniré a los X-Men, la Alianza Rebelde o la Guardia de la Noche. Orgulloso integrante de Cine PREMIERE desde el 2008.